offzine.com

Niektóre linki na tej stronie mogą być linkami afiliacyjnymi

Provoke: Trzy numery, które zmieniły fotografię

Między listopadem 1968 a sierpniem 1969 roku mały tokijski magazyn opublikował trzy numery i zmienił bieg fotografii. Nazywał się Provoke, a jego podtytuł brzmiał: "Prowokacyjne dokumenty do myślenia". Był surowy, konfrontacyjny i celowo brzydki. Pięćdziesiąt lat później wciąż próbujemy dogonić to, co próbował osiągnąć.

Świat, który stworzył Provoke

Japonia pod koniec lat 60. była krajem wstrząsanym przemianami. Powojenny cud gospodarczy przekształcił miasta w rozległe betonowe krajobrazy, ale ludzkie koszty były widoczne wszędzie. Studenckie protesty przeciwko traktatowi bezpieczeństwa USA-Japonia (Anpo) zapełniały ulice. Cień Hiroszimy i Nagasaki pozostawał nieprzepracowany. Tradycyjne struktury społeczne rozpadały się, wypierane przez kulturę konsumpcyjną, która była jednocześnie obca i pusta.

To w tej atmosferze protestu, wyobcowania i przyspieszonej zmiany grupa młodych fotografów i pisarzy znalazła się razem. Łączyło ich przekonanie, że dotychczasowa fotografia - dokumentalna, reporterska, piktorialna - jest niewystarczająca. Była zbyt schludna, zbyt objaśniająca, zbyt wygodna wobec świata takim, jakim był prezentowany. Chcieli czegoś innego.

Założyciele i manifest

Provoke zostało założone przez pięć osób: krytyka i filozofa Koji Taki, fotografa Takumę Nakahirę, fotografa Yutakę Takanashiego, pisarza Takahiko Okadę oraz, od drugiego numeru, fotografa Daido Moriyamę. Byli młodzi, po dwudziestce i wczesnej trzydziestce, i działali poza ustalonymi instytucjami fotograficznymi Japonii.

Manifest, napisany przez Taki, głosił, że fotografia może uchwycić "fragmenty rzeczywistości, których nie można wyrazić w języku w takiej postaci, w jakiej on istnieje." W epoce, w której słowa utraciły swoją materialną podstawę, aparat mógł produkować dokumenty poprzedzające ideologię, które mogły prowokować myślenie, a nie potwierdzać istniejące przekonania.

Nie było to stwierdzenie techniczne, ale filozoficzne. Provoke nie interesowała lepsza kompozycja czy ostrzejszy obraz. Interesowało je, czy fotografia może przebić się przez szum zapośredniczonego świata i dotknąć czegoś prawdziwego.

Widok ulicy w Tokio, znalezione zdjęcie z 1973 roku. Zagęszczone pole wizualne szyldów, słupów energetycznych i fasad sklepowych oddaje miejski krajobraz, który zamieszkiwali fotograficy Provoke. Zdjęcie: David Pirmann, CC BY 2.0. Źródło

Are, Bure, Boke: Filozofia niedoskonałości

Fraza najczęściej łączona z Provoke to are, bure, boke - szorstki, rozmazany, nieostry. Terminy te są czasem traktowane jako styl, wygląd, który można odtworzyć odpowiednimi ustawieniami aparatu lub filtrem w smartfonie. Ale dla fotografów Provoke nie były one preferencjami estetycznymi. Były pozycjami etycznymi.

Are (szorstki/ziarnisty): Film wysokoczuły wyciągnięty poza swoje granice, grube ziarno widoczne w całym obrazie. Fotografia ogłasza się jako przedmiot materialny, a nie przezroczyste okno na świat. Ziarno to medium potwierdzające swoją obecność.

Bure (rozmazany): Ruch uchwycony przy wolnych czasach naświetlania, aparat poruszający się wraz z ciałem fotografa. Rozmycie nie jest błędem, ale zapisem trwania, bycia fotografa w ruchu, świata, który nie stoi w miejscu.

Boke (nieostry): Płytka głębia ostrości, chybione ogniskowanie, obrazy, które odmawiają rozdzielczości. Temat pozostaje niejednoznaczny, otwarty na interpretację. Fotografia zadaje pytania zamiast udzielać odpowiedzi.

Natychmiastowy portret uliczny w Tokio - ziarnisty, żywy, nieuchwytny. Płytka głębia ostrości i szybki czas naświetlania echo filozofii are-bure-boke. Zdjęcie: Giuseppe Milo, CC BY 3.0. Źródło

Razem te trzy cechy stworzyły język wizualny, który odrzucał klarowność i obiektywność definiujące fotografię dokumentalną. Gdzie Cartier-Bresson szukał decydującego momentu, Provoke szukało momentu nieokreślonego. Gdzie dominująca tradycja widziała fotografię jako narzędzie do uchwycania rzeczywistości, Provoke widziało ją jako narzędzie do kwestionowania, czy rzeczywistość w ogóle może być uchwycona.

Chuo-Dori, główna ulica Ginzy w Tokio, patrząc na północ ze skrzyżowania Ginza w maju 1967 roku. Zdjęcie wykonane w tym samym roku, w którym przygotowywano pierwszy numer Provoke. Zdjęcie: Roger Wollstadt, CC BY-SA 2.0. Źródło

Trzy numery

Pierwszy numer Provoke ukazał się w listopadzie 1968 roku w nakładzie zaledwie kilkuset egzemplarzy. Był prymitywnie wykonany, wydrukowany na tanim papierze, złożony w gęstym, konfrontacyjnym stylu. Obrazy wychodziły poza krawędzie strony. Tekst był składany w nieregularnych blokach. Całość wyglądała jak fanzin, a nie magazyn artystyczny.

Drugi numer, poświęcony tematyce erosu, ukazał się w marcu 1969 roku. To w nim do grupy dołączył Daido Moriyama, wnosząc ze sobą bardziej ekstremalną wersję estetyki are-bure-boke. Jego obrazy - wysokokontrastowe, prawie abstrakcyjne, agresywnie przycięte - jeszcze bardziej przesuwały język wizualny magazynu.

Trzeci i ostatni numer ukazał się w sierpniu 1969 roku. Często uważany jest za najbardziej radykalny z trzech. Obrazy są ciemniejsze, bardziej fragmentaryczne. Układ jest jeszcze bardziej agresywny. Magazyn zdaje się dekonstruować samego siebie, przesuwając się ku granicy, za którą fotografia grozi rozpadem w czysty gest.

Jedna książka, First, Throw Out Verisimilitude: Thoughts on Photography and Language, została opublikowana w marcu 1970 roku jako ostateczne oświadczenie. Potem grupa się rozwiązała. Trzy numery, jedna książka, i koniec.

Kluczowi fotografowie

Takuma Nakahira był prawdopodobnie najbardziej teoretycznym członkiem grupy. Jego prace z tego okresu są intelektualne i konfrontacyjne, kwestionujące sam akt widzenia. Jego książka z 1970 roku For a Language to Come jest kamieniem milowym fotografii publikowanej. Nakahira później wyparł się własnej pracy, niszcząc negatywy i dystansując się od ruchu, co tylko dodało mu mistycyzmu.

Yutaka Takanashi wniósł bardziej wyważone, obserwacyjne spojrzenie. Jego seria Towards the City (1970) dokumentuje Tokio z chłodną, prawie zdystansowaną precyzją, kontrastującą z chaosem Moriyamy i Nakahiry. Prace Takanashiego pokazują, że Provoke nie było pojedynczym stylem, ale wspólnym pytaniem: co fotografia może zrobić?

Daido Moriyama nie potrzebuje przedstawienia. Jest najsłynniejszym członkiem grupy, tym, którego nazwisko stało się synonimem japońskiej fotografii ulicznej. Jego wkład w Provoke polega na wizualnym ekstremizmie - obrazach przesuniętych na granicę czytelności, fotografiach, które są jak ciosy. Późniejsza praca Moriyamy, szczególnie jego fotoksiążka Farewell Photography (1972), rozszerzyła wrażliwość Provoke w pełnoprawny atak na medium.

Współczesna fotografia uliczna zrobiona w tradycji are-bure-boke: ziarnista, bezpośrednia, natychmiastowa. Tokijskie metro, zdjęcie Fujifilm X-Pro2 przy f/1.2. Zdjęcie: Giuseppe Milo, CC BY 3.0. Źródło

Park Ueno w Tokio. Samotna postać przechodząca przez kadr w wysokokontrastowej czerni i bieli, oddająca estetykę Provoke - miejskiej samotności w codzienności. Zdjęcie: Giuseppe Milo, CC BY 3.0. Źródło

Dziedzictwo: Co pozostawiło po sobie Provoke

Provoke zniknęło prawie tak szybko, jak się pojawiło. Ale jego wpływ tylko rósł. W Japonii magazyn stał się punktem odniesienia dla kolejnych pokoleń fotografów. Estetyka are-bure-boke została przyswojona, zaadaptowana, aż w końcu skodyfikowana jako odrębna tradycja w ramach japońskiej fotografii.

Międzynarodowe uznanie przyszło wolniej. Pierwsze wystawy takie jak "The Provoke Era" w SFMOMA (2009) i wielkie retrospektywy Moriyamy i Nakahiry zwróciły uwagę Zachodu na ten ruch. Kiedy prace dotarły, uderzyły mocno. Oto fotografia, która przewidziała wszystko - odrzucenie prawdy obiektywnej, przyjęcie subiektywności, użycie aparatu jako instrumentu filozoficznego.

Dziś wpływ Provoke widoczny jest wszędzie. W ziarnistych, wysokokontrastowych zdjęciach ulicznych zapełniających media społecznościowe. W pracach współczesnych fotografów, którzy celowo rozmywają swoje obrazy lub przesuwają aparaty poza techniczne granice. W zwykłej zgodzie na robienie zdjęć, które nie wyglądają jak zdjęcia.

Ale najgłębszym dziedzictwem Provoke nie jest styl. To idea: że fotografia nie polega na uchwyceniu tego, co już istnieje, ale na uwidocznieniu tego, czego wcześniej nie można było zobaczyć. Że najpotężniejsze obrazy to nie te, które pokazują nam świat wyraźnie, ale te, które zmuszają nas do spojrzenia ponownie.

Mężczyzna idący przez Bunkyo w Tokio, koło świątyni. Wysokokontrastowa czarno-biała fotografia uliczna nawiązująca do tradycji Provoke. Zdjęcie: Giuseppe Milo, CC BY 3.0. Źródło

Prowokacja trwa

To, co czyni Provoke niezwykłym, nawet dziś, to fakt, że zadało pytanie, które większość fotografów nigdy sobie nie zadaje: a co, jeśli celem fotografii nie jest komunikacja, ale zakłócenie? Nie dokumentowanie, ale niepokojenie? Nie bycie piękną, ale bycie prawdziwą?

W epoce perfekcyjnie wypolerowanych feedów na Instagramie, kompozycji optymalizowanych przez algorytmy i obrazów generowanych przez AI, pytanie Provoke brzmi bardziej aktualne niż kiedykolwiek. Świat nie potrzebuje więcej schludnych, dobrze skomponowanych fotografii. Potrzebuje obrazów, które się opierają, które drapią, które odmawiają bycia konsumowanymi z łatwością.

Trzy numery. Jedna książka. Pięćdziesiąt lat później, wciąż prowokuje.

Dodatkowe lektury

• William Klein: Pierwszy prowokator - fotograf, który zainspirował Provoke
• Daido Moriyama na Wikipedii
• The Provoke Era w SFMOMA
• Photobooks: Provoke w Tate Modern
• Książki o fotografii japońskiej na Amazon

Tekst powstał przy pomocy AI z weryfikacją człowieka.